La Asociación de Cronistas del Espectáculo dio a conocer las nominaciones para la 35ª edición de los Premios ACE, que volverán a celebrar lo mejor de la actividad teatral porteña.

La ceremonia se realizará el lunes 19 de octubre en el Teatro El Nacional y será transmitida por la TV Pública. En esta edición habrá 31 rubros, que abarcan desde drama y comedia hasta musicales, teatro alternativo, espectáculos infantiles, humor y los diferentes trabajos técnicos que hacen posible cada producción.

Entre las obras que competirán como Drama y/o Comedia Dramática aparecen La niña sobre un altar, Misery, La obra, Baco polaco, Las hijas y Manifestum. En actuación femenina fueron nominadas Analía Couceyro, Julia Calvo, Julieta Díaz, Pilar Gamboa, Marilú Marini, Susana Pampin y Alejandra Flechner; mientras que entre los actores se encuentran Paulo Brunetti, Juan Gil Navarro, Aníbal Gulluni, Horacio Acosta, Diego Velázquez y Carlos Portaluppi.
La categoría Comedia también reúne importantes títulos de la temporada: Sottovoce, Berlín Berlín, El estado de la unión, El chat de mamis, Tirria y Casual. Entre sus protagonistas nominados figuran Lorena Vega, Eleonora Wexler, Fernanda Metilli, Andrea Politti, Fernán Mirás, Gonzalo Heredia, Pablo Rago, Diego Capusotto, Rafael Spregelburd y Diego Gentile, entre otros.

Los musicales, grandes protagonistas de los ACE

Una de las categorías que promete mayor expectativa es la de Musical, con seis producciones nominadas: Hairspray, Company, Billy Elliot, Charlie y la fábrica de chocolate, Invasiones I y Casi normales inmersivo.

En Dirección General de Musical, Music Hall o Café Concert aparecen nombres como Fernando Dente, nominado por Company y Hairspray; Rubén Szuchmacher por Billy Elliot; Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero por Charlie y la fábrica de chocolate; Mariano Demaría por Annie; Sebastián Irigo por El mago de Oz y Ricardo Hornos por Invasiones I.

Entre las actuaciones femeninas en musical fueron seleccionadas Alejandra Radano —con doble nominación por Company y Hairspray—, Alejandra Perlusky, Elena Roger, Vanesa Butera, Julieta Nair Calvo y Melania Lenoir. En el rubro masculino competirán Fernando Dente, Agustín “Rada” Aristarán, Campi, Sacha Bercovich, Roberto Peloni, Carlos Casella y Francisco Pesqueira.
También habrá lugar para el humor, con Llegamos tarde, de Ariel Tarico y David Rotemberg; Salud Moldavsky y amor y Experiencia Dalia Gutman (No me calmo nada).

El teatro alternativo y los espectáculos infantiles

La escena independiente tendrá una fuerte presencia con Como bestias, Nido de lagarto, Bernarda, la de la casa, Las Adoro, La muerte de un viajante y Hotel Monday nominadas como obras de teatro alternativo. Entre sus intérpretes aparecen figuras como Ingrid Pelicori, Silvina Sabater, Ana María Bovo, Noemí Frenkel, Gustavo Garzón, Diego Velázquez y Alejandro Awada.
En el rubro Infantil competirán El mago de Oz, La flauta mágica, El superamigo imaginario, Ojo de pez, El salpicón, Migue y Lucy, una historia de rock y Remigio Verdiales, un capincho.

Una categoría para seguir de cerca será Revelación, donde fueron nominados Damián Betular y Belén Bilbao por Hairspray, Minerva Casero por Anastasia, los jóvenes Joaquín Mondino Formichelli, Mateo Tognolotti y Fran Molozag por Billy Elliot y Valentín Born Pinto por El alma de la noche.

La premiación también reconocerá el enorme trabajo detrás de escena con categorías dedicadas a música original, escenografía, iluminación, vestuario, coreografía, sonido y producción, con nominaciones para algunas de las producciones de mayor despliegue de la temporada.

Soledad Silveyra, Moria Casán y Jorge Ferrari recibirán el premio a la trayectoria

Uno de los momentos más emotivos de la ceremonia estará dedicado a las grandes figuras que dejaron su huella en el espectáculo argentino. Los Premios a la Trayectoria serán para Soledad Silveyra, Jorge Ferrari y Moria Casán.

Además, habrá reconocimientos especiales para SAGAI y para Marisé Monteiro/Nacho Medina.

Con grandes figuras, producciones comerciales, propuestas del circuito alternativo y una temporada especialmente fuerte para el teatro musical, los Premios ACE 2025/2026 se preparan para una nueva noche de celebración de la escena argentina.

LISTADO COMPLETO DE NOMINACIONES

Autora/Autor:
-Mariano Pensotti y Grupo Marea (La obra)
-Mariano Pensotti y Grupo Marea (Una sombra voraz)
-Marina Carr (La niña sobre un altar)
-Mauricio Kartun (Baco polaco)
-Ricardo Hornos (Invasiones )
-Gustavo Garzón (Un hombre solo es demasiado para un
hombre solo)

Drama y/o Comedia dramática:
-La niña sobre un altar
-Misery
-La obra
-Baco polaco
-Las hijas
-Manifestum

Actriz protagónica en drama y/o comedia dramática:
-Analía Couceyro (La niña sobre un altar)
-Julia Calvo (Misery)
-Julieta Díaz (Las hijas)
-Pilar Gamboa (Las hijas)
-Marilú Marini (Manifestum)
-Susana Pampin (La obra)
-Alejandra Flechner (La obra )

Actor protagónico en drama y/o comedia dramática:
-Paulo Brunetti (La niña sobre un altar)
-Juan Gil Navarro (Misery)
-Anibal Gulluni (Baco Polaco)
-Horacio Acosta (La obra)
-Diego Velázquez (La Obra)
-Carlos Portaluppi (Maldita felicidad)

Dirección de drama y/o comedia dramática:
-Oscar Barney Finn (La niña sobre un altar)
-Jorge Suárez (Los pilares de la sociedad)
-Manuel González Gil (Misery)
-Mariano Pensotti (La obra)
-Adrián Suar (Las hijas)
-Mauricio Kartun (Baco polaco)

Comedia:
-Sottovoce
-Berlín Berlín
-El estado de la unión
-El chat de mamis
-Tirria
-Casual

Actriz en comedia:
-Lorena Vega (Sottovoce)
-Eleonora Wexler (El estado de la unión)
-Fernanda Metilli (Berlín, Berlín)
-Karina Hernández (El chat de mamis)
-Andrea Politti (Tirria)

Actor en comedia:
-Fernán Mirás (Sottovoce)
-Gonzalo Heredia (El estado de la unión)
-Pablo Rago (Berlín, Berlín)
-Diego Capusotto (Tirria)
-Rafael Spregelburd (Tirria)
-Diego Gentile (Casual)

Directora/director de comedia:
-Corina Fiorillo (Berlín, Berlín)
-Marcelo Caballero (El chat de mamis)
-Marcos Carnevale (Desde el jardín)
-Mariano Pensotti (Sottovoce)
-Andrea Garrote (El estado de la unión)
-Carlos Branca (Tirria)

Actriz o Actor de reparto en Drama y/o comedia:
-Mara Bestelli (Los pilares de la sociedad)
-Lucía Adúriz Bravo (Berlín, Berlín)
-Juan Pablo Geretto (Berlín, Berlín)
-Mercedes Fraile (La niña sobre un altar)
-Daniel Miglioranza (Desde el jardín)
-Maxi de la Cruz (Berlín Berlin)

Actuación en obra para un solo personaje:
-Jorgelina Aruzzi (por El ser querido)
-Luciano Cáceres (por Paraíso)
-Paulo Brunetti (por Vanya)
-Leonardo Sbaraglia (por Los días perfectos)
-Arturo Puig (Buenas Palabras)

Musical:
-Hairspray
-Company
-Billy Elliot
-Charlie y la fábrica de chocolate
-Invasiones I
-Casi normales inmersivo

Music Hall/Café concert:
-Astor, Piazzolla eterno
-Ellas son tango
-Juan, estoy en la puerta, bajá!
-The Opera Locos
-Boîte

Director general de musical/Music hall/Café concert:
-Fernando Dente (Company )
-Fernando Dente (Hairspray)
-Rubén Szuchmacher (Billy Elliot)
-Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero (Charlie y la fábrica de chocolate)
-Mariano Demaría (Annie)
-Sebastián Irigo (El mago de Oz)
-Ricardo Hornos (Invasiones I)

Dirección musical:
-Gaby Goldman (Billy Elliot)
-Damián Mahler (Company)
-Damián Mahler (El mago de Oz)
-Javier López del Carril (Invasiones I)
-Néstor Tedesco (Anastasia)
-Humberto Ridolfi (Ellas son tango)

Actuación femenina en musical:
-Alejandra Radano (Company)
-Alejandra Radano (Hairspray)
-Alejandra Perlusky (Billy Elliot)
-Elena Roger (Invasiones I)
-Vanesa Butera (Company)
-Julieta Nair Calvo (Annie)
-Melania Lenoir (Casi normales inmersivo)

Actuación masculina en musical:
-Fernando Dente (Company)
-Agustín “Rada” Aristarán (Charlie y la fábrica de chocolate)
-Campi (Papá por siempre)
-Sacha Bercovich (Billy Elliot)
-Roberto Peloni (Casi normales inmersivo)
-Carlos Casella (Boîte)
-Francisco Pesqueira (Juan, estoy en la puerta, bajá)

Espectáculo de humor:
-Llegamos tarde (Ariel Tarico y David Rotemberg)
-Salud Moldavsky y amor
-Experiencia Dalia Gutman (No me calmo nada)

Obras en teatro alternativo:
-Como Bestias
-Nido de lagarto
-Bernarda, la de la casa
-Las Adoro
-La muerte de un viajante
-Hotel Monday

Dirección en teatro alternativo:
-Marcelo Moncarz (Como bestias)
-Franco Verdoia (Nido de lagarto)
-Daniel Marcove (La muerte de un viajante)
-Oscar Barney Finn (Vanya)
-Eleonora Valdez (Bernarda, la de la casa)
-Florent Bergal (Hotel Monday)

Actuación femenina en teatro alternativo:
-Ingrid Pelicori (La muerte de un viajante)
-Silvina Sabater (Nido de lagarto)
-Yamila Ulanovsky (Como bestias)
-Lucía Adúriz Bravo (Las Adoro)
-Ana María Bovo (Ruth)
-Noemí Frenkel (Matria)
-Julia Muzio (Bernarda, la de la casa)

Actuación masculina en teatro alternativo:
-Gustavo Garzón (Un hombre solo es demasiado para un hombre solo)
-Horacio Acosta (Nido de lagarto)
-Mariano Saborido (Las Adoro)
-Diego Velázquez (Una sombra voraz)
-Alejandro Awada (La muerte de un viajante)

Infantil:
-El mago de Oz
-La flauta mágica
-El superamigo imaginario
-ojo de pez
-El salpicón
-Migue y Lucy, una historia de rock
-Remigio Verdiales, un capincho

Revelación:
-Damián Betular (Hairspray)
-Belén Bilbao (Hairspray)
-Minerva Casero (Anastasia)
-Joaquín Mondino Formichelli, Mateo Tognolotti y Fran Molozag (Billy Elliot)
-Valentín Born Pinto (El alma de la noche)

Música original:
-Shino Ohnaga (La niña sobre un altar)
-Martín Bianchedi (Misery)
-Diego Vainer (La obra)
-Damián Kompel (Desde el jardín)

Escenografía:
-José Ponce Aragón (Charlie y la fábrica de chocolate)
-Gonzalo Córdoba Estévez (Invasiones I)
-Gonzálo Córdoba Estévez (Company)
-Gonzalo Córdoba Estévez (Berlín Berlín)
-Cecilia Zuvialde (Nido de lagarto)
-Mariana Tirantte (La obra)

Iluminación:
-Matías Sendón (Invasiones I)
-Anteo Del Mastro y Sebastián Viola (Charlie y la fábrica de chocolate)
-Gonzalo Córdova (Billy Elliot)
-David Seldes (Company)
-Mariano Demaría y Santiago Cámara (Astor, Piazzolla eterno)
-Matías Sendón (Misery)

Vestuario:
-Stella Maris Müller (Anastasia)
-Gustavo Alderete (Hairspray)
-Graciela Galán (Invasiones I)
-Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo (Charlie y la fábrica de chocolate)
-Sofía Di Nunzio (Billy Elliot)
-Sofía Di Nunzio (El mago de Oz)

Coreografía:
-Vanesa García Millán (Company)
-Vanesa García Millán (Hairspray)
-Analía González (Charly y la fábrica de chocolate)
-Annie (Analía González)
-Alejandro Ibarra (Anastasia)
-Leandro Gómez (Ellas son tango)

Sonido:
-Gastón Brisky (Hairspray)
-Gastón Brisky (Company)
-Gastón Brisky (Billy Elliot)
-Eugenio Mellano Lanfranco (Annie)
-Emilio Nicoli (Ellas son tango)
-Gastón Briski y Alejandro Zambrano (Anastasia)

Producción:
-Diego Romay y Omar Romay (Billy Elliot)
-Ozono Producciones, MP Producciones y Los Rottemberg (Charly y la fábrica de chocolate)
-Club Media y Olga (Hairspray)
-CTBA, Club Media, Carlos Mentasti y Alephmedia (Invasiones I)
-The Stage Company (El curioso incidente del perro a medianoche)
-Club Media (Company)

Raquel Ameri se para frente al público y decide contar su verdad. No una versión edulcorada de la maternidad, ni la que responde a los mandatos de lo que se supone que debe ser una “buena madre”. En Mala Madre, su biodrama, se anima a poner el cuerpo, la voz y hasta los gritos para recorrer una historia personal atravesada por el amor, la culpa, el cansancio, los deseos, las pérdidas y, sobre todo, por una enorme necesidad de seguir siendo ella misma.

La obra, con dramaturgia de Raquel Ameri y Maruja Bustamante y dirección de Paola Luttini, parte de la propia vida de Raquel y de material audiovisual registrado durante años. Desde una hermosa abuela que le enseño cosas importantes de la vida, hasta el parto de uno de sus hijos .

El punto de partida está marcado por una herida profunda: la muerte temprana de su hermano, un acontecimiento que atraviesa su historia familiar y que se convierte en una de las claves para entender muchas de las emociones y preguntas que aparecen en escena.

Pero Mala Madre no es solamente una obra sobre la maternidad. Es también un relato sobre sobrevivir a las circunstancias, sobre tomar decisiones, sobre criar, trabajar, desear, equivocarse y seguir adelante aun cuando la vida golpea donde más duele.

Y ahí aparece una Raquel absolutamente valiente. No busca caer simpática ni construir un personaje perfecto. Por momentos grita, se enoja, se quiebra, se ríe y vuelve a empezar. Hay una necesidad casi urgente de contar, de sacar aquello que durante mucho tiempo estuvo guardado y de transformar esas experiencias en una historia compartida con el público.

Raquel pone esas preguntas sobre la mesa sin buscar respuestas fáciles. Y lo hace desde un lugar profundamente humano, mostrando que amar a sus hijos y necesitar un espacio propio no son necesariamente sentimientos opuestos.

El formato de biodrama potencia todavía más esa sensación de verdad. Lo que sucede frente a nosotros no parece una historia lejana: es una mujer revisando su propia vida y tratando de entenderla mientras la cuenta. Los registros audiovisuales, la música y las luces acompañan ese recorrido y amplían el universo de la protagonista.

Uno de los mayores méritos de la propuesta es justamente ese: no quedarse en el relato individual. La historia de Raquel termina funcionando como espejo para muchas otras mujeres que alguna vez sintieron culpa por querer algo más, que tuvieron que maternar atravesando dificultades o que simplemente descubrieron que la maternidad no se parece demasiado a esa imagen idealizada que tantas veces nos vendieron.

Hay dolor, sí. Hay duelo tambien. Hay momentos incómodos. Pero también hay resiliencia,  deseo y una enorme fuerza vital.

Raquel Ameri sostiene durante aproximadamente una hora y moneditas un espectáculo que exige entrega absoluta. Y esa entrega se siente. No hay distancia entre la actriz y la mujer que está contando su historia: ambas conviven permanentemente en escena.

Mala Madre es un acto de valentía.Una propuesta íntima, cruda y movilizadora, que no pretende decirnos cómo tenemos que vivir la maternidad, sino invitarnos a preguntarnos cuánto de lo que creemos sobre ser madre realmente nos pertenece y cuánto viene impuesto desde afuera.

Mala Madre se presenta los viernes a las 22.30 en NÜN Teatro Bar, Juan Ramírez de Velasco 419, Villa Crespo. La temporada comenzó el 4 de septiembre y las funciones están previstas hasta el 30 de octubre. Las entradas se consiguen por Alternativa Teatral.

Una obra para mirar, escuchar y, quizás, salir del teatro revisando nuestros propios prejuicios sobre qué significa ser una “buena” o una “mala” madre.

Los amantes del cine tienen una nueva excusa para volver a las salas. Desde este jueves 10 y hasta el miércoles 16 de septiembre se realizará una nueva edición de La Fiesta del Cine, una iniciativa que permitirá disfrutar de películas en pantalla grande con entradas a precios promocionales.

Durante siete días, las funciones en 2D y 3D tendrán un valor de $5.000 en las salas adheridas de todo el país. Para los formatos especiales, como 4D, D-Box y otras experiencias Premium, el precio será de $10.000. En las compras realizadas de manera online pueden sumarse cargos por servicio.

La propuesta combina estrenos, películas que continúan en cartelera y una selección de títulos que regresan especialmente a los cines. También habrá reestrenos de otras películas populares y títulos recientemente estrenados.

La semana coincide además con importantes estrenos que llegan a las salas el jueves 10, entre ellos El heladero, Código venganza, Tadeo el explorador y la lámpara maravillosa, Hechizo de amor y Oasis. La cartelera también incluye títulos como Spider-Man: Un nuevo día y Hechizos de amor: La magia continúa.

La preventa comenzó el martes 8 de septiembre y las entradas pueden adquirirse a través de los canales habituales de cada complejo. La promoción alcanza a cadenas nacionales, salas independientes y distintos espacios cinematográficos que se sumaron a la iniciativa.

En la Ciudad de Buenos Aires, además, participan 20 complejos cinematográficos de distintos barrios, con entradas a $5.000 durante toda la semana. La programación y el listado de salas adheridas pueden consultarse en el sitio oficial de La Fiesta del Cine y en el mapa de establecimientos participantes.

Una oportunidad ideal para aprovechar una semana de cine a precio promocional, reencontrarse con películas queridas en pantalla grande o descubrir alguno de los nuevos estrenos que llegan a las salas.

La Fiesta del Cine se realizará del 10 al 16 de septiembre. Entradas 2D y 3D: $5.000. Formatos especiales: $10.000.

El documental que registra el regreso de los hermanos Gallagher convierte una pelea histórica, una gira monumental y millones de fanáticos en una emocionante historia sobre la música, la memoria y la reconciliación.

Durante años, la pregunta parecía imposible de responder: ¿volverían alguna vez Liam y Noel Gallagher a compartir un escenario?

Después de la explosiva separación de Oasis en 2009, los hermanos parecían destinados a continuar sus vidas por caminos completamente diferentes. Las peleas, las declaraciones cruzadas y una relación marcada por el enfrentamiento se convirtieron casi en parte de la leyenda de la banda. Por eso, cuando finalmente llegó la noticia de la reunión y la gira Oasis Live ’25, el regreso tuvo algo de acontecimiento histórico.

Oasis: Don’t Look Back in Anger parte justamente de ese conflicto. Pero lo interesante es que no se queda en el escándalo ni intenta convertir la película en una interminable explicación sobre quién tuvo la culpa. La pelea de los Gallagher es el punto de partida para contar algo mucho más grande: cómo una banda puede atravesar generaciones y cómo sus canciones pueden convertirse en parte de la vida de millones de personas.Y ahí está uno de los grandes aciertos de la película.No hace falta ser un fanático de Oasis para disfrutarla.

El documental funciona como una historia de rock, pero también como una historia humana. Porque mientras seguimos el reencuentro de Liam y Noel, también descubrimos qué significó Oasis para personas de distintos países, edades y culturas. En Argentina veras como un hincha de San Lorenzo convierte una de las canciones de oasis (wonderwall) en un cantico de cancha, es genial!

La gira se transforma entonces en un recorrido por el mundo. Cada ciudad aporta su propia identidad y la película consigue mostrar cómo una misma canción puede adquirir significados completamente diferentes según quién la escucha y dónde la escucha. Wonderwall, Live Forever, Champagne Supernova, Stop Crying Your Heart Out y, por supuesto, Don’t Look Back in Anger, dejan de ser simplemente canciones de una banda británica para convertirse en parte de la memoria colectiva de quienes las hicieron propias.

Los directores Will Lovelace y Dylan Southern —responsables también de trabajos vinculados al universo musical— utilizan material de archivo, imágenes de los ensayos, cámaras ocultas y un impresionante registro de los conciertos para meternos literalmente dentro de la gira. El primer ensayo conjunto, después de 15 años de separación, tiene una tensión especial: Liam aparece, se queja de la batería, canta y se va. Parece una escena mínima, pero funciona como una síntesis perfecta de la historia de estos dos hermanos.

Después llegan los estadios.Y ahí la película se vuelve enorme.

Hay algo hipnótico en observar a decenas de miles de personas cantando al mismo tiempo canciones que fueron escritas décadas atrás. El documental entiende que el verdadero fenómeno Oasis no está únicamente arriba del escenario. Está también abajo: en los padres que llevaron a sus hijos, en las nuevas generaciones que descubrieron las canciones durante los años en que la banda estuvo separada y en quienes esperaron 15 años para volver a escuchar a los Gallagher juntos.

Hay momentos especialmente conmovedores en los que Noel se muestra mucho más vulnerable de lo que suele permitir su personaje público. Es también una reflexión sobre crecer, envejecer y descubrir que algunas canciones permanecen intactas aunque nosotros ya no seamos los mismos.

Por supuesto, el documental tiene una mirada claramente favorable a Oasis. No pretende hacer una investigación periodística sobre la banda ni cuestiona demasiado algunos aspectos polémicos de la gira, como el precio de las entradas. Tampoco profundiza demasiado en las verdaderas razones que llevaron a los hermanos a permanecer enfrentados durante tantos años. Es una película oficial y eso se nota.

Pero justamente ahí está la decisión narrativa: no intenta resolver el pasado, sino mostrar qué sucede cuando finalmente los protagonistas deciden dejarlo atrás.

Y quizás por eso el título resulta tan apropiado.

Don’t Look Back in Anger no es solamente el nombre de una de las canciones más importantes de Oasis. Es casi una declaración de principios para esta nueva etapa de los Gallagher.

Una celebración musical, emotiva y visualmente potente. Imperdible para los fans y absolutamente recomendable para quienes simplemente aman el cine y la música.

Flavio Mendoza vuelve a apostar fuerte y, esta vez, directamente construye su propio universo. “La Cúpula” es mucho más que un espectáculo: es una experiencia visual y sensorial que combina teatro, danza, música en vivo, acrobacia, tecnología y una puesta de dimensiones poco habituales.

El espectáculo se presenta en un imponente domo instalado en el predio del Casino Buenos Aires, en Puerto Madero. La estructura, diseñada en 360 grados y sin columnas que obstaculicen la visión, es uno de los grandes protagonistas de la propuesta. Sobre ella, un espectacular mapping transforma permanentemente el espacio, mientras doce plataformas móviles modifican el escenario y generan diferentes niveles y movimientos.

La historia elegida para inaugurar este espacio es “El Príncipe Feliz, Corazón Dorado”, inspirada en el clásico cuento de Oscar Wilde. La trama cuenta la historia de un príncipe convertido en estatua que, acompañado por una golondrina, descubre el sufrimiento de quienes lo rodean y decide desprenderse de sus riquezas para ayudarlos. Pero en la propuesta de Mendoza el relato funciona, sobre todo, como un punto de partida para desplegar un enorme universo visual.

Y ahí está, justamente, una de las claves de “La Cúpula”: el relato queda muchas veces en segundo plano frente a la experiencia. La potencia del espectáculo está en lo que ocurre alrededor del espectador y, especialmente, en el movimiento constante de los artistas y de la escenografía.

El elenco merece un reconocimiento especial. Alan Lez, en el rol del Príncipe Feliz, Nacho Pérez Cortés como Dédalo y Valentina Podio como La Golondrina encabezan una compañía de gran nivel, acompañados por bailarines, acróbatas y artistas aéreos. Hay mucho trabajo físico detrás de cada número y se nota. Los bailarines aportan precisión, energía y una presencia escénica que sostiene buena parte del espectáculo.

Las coreografías de Catta son otro de los puntos fuertes. Hay momentos de gran despliegue, con cuerpos que aparecen, desaparecen, se elevan y se integran con las imágenes proyectadas.

También sorprende el vestuario, cuidadosamente pensado para integrarse con la estética fantástica de la propuesta. Colores, texturas, brillo y volumen acompañan la transformación permanente del escenario y consiguen que los artistas parezcan formar parte de ese universo proyectado sobre la cúpula.

La música , composición de Fede Vilas, completa una puesta que busca estimular todos los sentidos. La tecnología está al servicio del espectáculo y no al revés: el mapping, las plataformas móviles, las luces y los movimientos escénicos se combinan para generar imágenes de gran impacto.

“La Cúpula” funciona mejor cuando se la disfruta como una experiencia que cuando se le exige una estructura narrativa tradicional. No es necesario encontrar en cada escena una explicación argumental; muchas veces alcanza con dejarse llevar por lo que sucede alrededor. Tiene algunos momentos en los que el despliegue técnico puede imponerse sobre la historia, pero cuando la música, los bailarines, el vestuario, las coreografías y las imágenes se encuentran, el resultado es realmente impactante.

Flavio Mendoza vuelve a hacer lo que mejor sabe: pensar en grande, sorprender y llevar el espectáculo hacia un terreno diferente. “La Cúpula” tiene algunos momentos en los que el despliegue técnico puede imponerse sobre la historia, pero cuando la música, los bailarines, el vestuario, las coreografías y las imágenes se encuentran, el resultado es realmente impactante.

“La Cúpula” se presenta en el predio del Casino Buenos Aires, en Av. Elvira Rawson de Dellepiane, Puerto Madero. Actualmente hay funciones jueves y viernes a las 20, sábados a las 17 y 20, y domingos a las 17 y 20, según la cartelera disponible para septiembre. La duración aproximada es de 90 minutos.

Si hay algo que Con la nuestra consigue desde el primer minuto es que el público se entregue al juego. La nueva comedia escrita por Jorgelina Aruzzi y Peto Menahem propone una historia ágil, divertida y llena de enredos, donde el dinero, la ambición y las miserias humanas quedan expuestos entre risas.

La historia transcurre en un exclusivo country. Tres vecinas (Jorgelina Aruzzi, Patricia Etchegoyen y Gloria Carra) y el instructor de tenis (Toto Kirzner)  deciden entrar a la casa de Martín (Rafa Ferro), un financista al que le confiaron dinero para una inversión que prometía convertirlos en millonarios. El problema es que creen que el hombre está fuera del país y, cuando descubren que sigue allí, todo lo que podía salir mal empieza a salir peor.

A partir de ese momento, mentiras, reproches, secretos, alianzas inesperadas y situaciones desopilantes se suceden a un ritmo que no da demasiado respiro. Cada personaje tiene algo para esconder y, sobre todo, algo que perder. Y cuando aparece un guardia de seguridad con sus propias cuentas pendientes (Marcelo De Bellis), el caos termina de instalarse.

Lo mejor de Con la nuestra es justamente su ritmo. La historia tiene diálogos con chispa y los enredos se van acumulando sin que la comedia pierda energía, la risa se sucita por cada situacion que se genera . Es de esas obras que invitan a olvidarse por un rato de todo y simplemente disfrutar de una buena función.

Y para que eso suceda hace falta un elenco que entienda perfectamente el código de la comedia. Jorgelina Aruzzi, Marcelo De Bellis, Rafael Ferro, Patricia Echegoyen, Gloria Carrá y Tomás Kirzner se meten de lleno en este universo de personajes ambiciosos, inseguros, tramposos y bastante desesperados por salvarse y la rompen.

Cada uno encuentra su momento para brillar y su manera de provocar la risa, pero lo más atractivo está en cómo funcionan juntos. La química entre los actores es fundamental para que los equívocos, las discusiones, los guiños y las situaciones absurdas tengan el timing necesario.

Jorgelina, además de protagonizar, comparte la autoría con Peto Menahem, quien también dirige la puesta. Esa combinación se nota en la obra y sale airosa.

 El enganche de Con la nuestra es que  nadie es completamente inocente y todos tienen algo que esconder.

Una nueva comedia en la calle Corrientes para elegir sin dudarlo, te la super recomiendo.

CON LA NUESTRA esta de jueves a domingos en el PASEO LA PLAZA Av.Corrientes 1660

Idea original y libro de: JORGELINA ARUZZI y PETO MENAHEM
Dirección: PETO MENAHEM
Diseño de Escenografía: MARIANA TIRANTTE
Diseño de Vestuario: SOFÍA DI NUNZIO
Diseño de Iluminación: MATÍAS SENDÓN
Dirección de Producción: CANDELARIA AUDI
Coordinación de Producción: DANIELA SABBATELLA
Producción Ejecutiva: MARCELA GARGANO
Asistencia de Dirección & Stage Manager: MARIANA MELINC
Asistencia de Diseño de Vestuario: NATALIA MEDINA
Prensa y Comunicación: VANESA BAFARO
Coordinador Prensa: JUAN GUTIÉRREZ ARANA
Comunicación digital: @bushicontenidos
Diseño gráfico: XAVIER PROTTO ESNAOLA
Fotografía: ALEJANDRA LÓPEZ
PRODUCCIÓN GENERAL: PRELUDIO

No hacen falta grandes discursos, una orquesta ni instrumentos convencionales para construir un espectáculo de alto impacto. STOMP transforma tachos, escobas, bidones, cajas, caños y hasta objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana, como los diarios, en instrumentos capaces de generar una verdadera fiesta sobre el escenario.

Después de 16 años, el fenómeno internacional volvió a Buenos Aires y lo hizo con una energía intacta. STOMP es precisión, humor, destreza y talento, pero también es una experiencia que se vive con el cuerpo: cada golpe, cada pisada y cada sonido repercute en la platea hasta conseguir que el público termine formando parte de ese gran concierto rítmico.

La propuesta creada por Luke Cresswell y Steve McNicholas sigue teniendo una enorme vigencia porque logró algo que no es sencillo: convertir lo cotidiano en extraordinario. Un tacho deja de ser un tacho, una escoba deja de ser una escoba y un simple golpe puede transformarse en una secuencia musical. Todo está pensado, medido y ejecutado con una precisión impresionante.

Y ahí aparece uno de los grandes secretos de STOMP: nada parece casual aunque todo parezca espontáneo. Los ocho intérpretes que están en escena funcionan como una maquinaria perfectamente aceitada. Se buscan, se desafían, se interrumpen, juegan y se responden a través del ritmo. Hay coreografía, teatro físico, percusión y muchísimo humor.

Pero también hay algo fundamental: talento. Porque detrás de cada golpe hay una enorme exigencia física y una coordinación que sorprende. Los cuerpos forman parte de la música y cada movimiento tiene una función dentro de una puesta que prácticamente no necesita palabras.

El espectáculo consigue además algo maravilloso: hacer vibrar a públicos de todas las edades. Los chicos se fascinan con los sonidos y los objetos; los adultos disfrutan de la precisión, el humor y la destreza de los artistas. Y todos terminan atrapados por ese ritmo contagioso que se apodera del Teatro Ópera.

La escenografía es un universo de objetos cotidianos dispuesto sobre el escenario que poco a poco cobra vida. Lo que podría parecer un depósito se transforma en una gigantesca caja de resonancia.

Y cuando el público responde, aplaude y acompaña el ritmo, queda claro que STOMP no es solamente un espectáculo para mirar. Es para escuchar, sentir y disfrutar.

Después de 16 años, el público argentino volvió a encontrarse con STOMP y la respuesta no podía ser otra: aplausos, entusiasmo y una sala completamente entregada al ritmo.

NO SE LO PIERDAN

STOMP

📍 Teatro Ópera, Av. Corrientes 860
📅 Hasta el 13 de septiembre de 2026
⏱️ Duración: aproximadamente 100 minutos.

Una fiesta de ritmo, humor y talento. Para ver y dejarse llevar.

¿Qué pasa cuando de pronto dejamos de reconocernos en la mirada de los demás? Esa es la pregunta que dispara Una, el unipersonal protagonizado magistralmente por Miriam Odorico, una obra que toma como punto de partida Uno, ninguno y cien mil, de Luigi Pirandello, y la transforma en un potente viaje sobre la identidad, la soledad y las distintas personas que podemos ser según quién nos mire.

Angélica Moscarda vive una existencia aparentemente conocida y ordenada hasta que un comentario aparentemente insignificante de su marido sobre su nariz provoca una grieta. A partir de allí comienza a preguntarse quién es realmente, cuánto de lo que cree ser está construido por los otros y qué queda cuando decide desprenderse de las etiquetas, los mandatos y las distintas versiones que los demás tienen de ella.

La propuesta de Giampaolo Samá, responsable de la dramaturgia y la dirección, tiene la inteligencia de no convertir esas preguntas filosóficas en un discurso pesado. Por el contrario, aparecen el humor, el absurdo, la emoción y también momentos de enorme tensión. La obra avanza entre esas diferentes capas de Angélica hasta convertir la identidad en un territorio cada vez más incierto.

Pero si hay una razón fundamental para ver Una, es Miriam Odorico.

La actriz se enfrenta al enorme desafío de construir un unipersonal en el que, prácticamente sin abandonar su silla y utilizando un único vestuario, consigue convertirse en diferentes personajes. Cambia la voz, el cuerpo, la mirada, la energía y hasta la manera de ocupar el espacio. Y lo hace con una precisión EXTRAORDINARIA.

Odorico no necesita grandes recursos escenográficos para llenar el escenario. Su cuerpo es la escenografía y su voz, el instrumento que permite que aparezcan todos los personajes que habitan a Angélica. Marido, suegra, cura, vecinos y distintas versiones de la propia protagonista aparecen frente al espectador a través de una actriz que demuestra un dominio absoluto de la escena.

No es casual que su trabajo haya recibido reconocimientos como el Premio María Guerrero a la Actuación Unipersonal y que la obra haya acumulado distintas distinciones durante sus temporadas anteriores.

Hay algo particularmente atractivo en Una: no pretende entregarnos una respuesta sobre quiénes somos. Hace algo bastante más interesante: nos deja la pregunta.

Porque todos somos, de alguna manera, una persona para nosotros mismos y otra para cada uno de los que nos rodean. La Angélica que vemos en escena intenta desprenderse de esas múltiples miradas para encontrar una verdad propia, aunque el camino hacia esa libertad tenga un precio.

Una silla, un vestuario y una iluminación alcanzan para construir todo un universo.

Una excelente oportunidad para reencontrarse con el enorme talento de Miriam Odorico en un trabajo de esos que justifican por sí solos una salida al teatro.

UNA
Dramaturgia y dirección: Giampaolo Samá
Actúa: Miriam Odorico
Vestuario: Julio Suárez
Diseño de luces: Giampaolo Samá
Duración: 70 minutos
Sábados a las 17.30 hs.
Almagna Teatro, Guardia Vieja 3783, CABA.

Luisana Lopilato se mete en la piel de Margarita Di Tullio, la mujer que se convirtió en una de las figuras más controvertidas y recordadas de la noche marplatense, en Pepita, la pistolera, el regreso de Lucía Puenzo al cine y una película que encuentra en el thriller, el policial y el true crime distintas herramientas para contar una historia atravesada por la violencia, el poder y la supervivencia.

La película se sitúa en Mar del Plata, en 1985, y reconstruye un período de la vida de Margarita, una trabajadora sexual embarazada que intenta abrirse camino en un ambiente dominado por hombres, mafias, prostitución, corrupción policial y complicidades. A medida que avanza la historia, esa mujer que intenta defenderse y proteger a otras compañeras comienza a construir el personaje que terminará convirtiéndose en Pepita.

Uno de los grandes aciertos de la película es que no intenta convertir a Margarita en una heroína ni tampoco en una villana. Puenzo se mete en sus contradicciones y deja que el espectador vaya descubriendo sus decisiones, sus zonas oscuras y también las razones que la llevaron a convertirse en quien fue. Esa mirada sobre los claroscuros de la protagonista es uno de los aspectos que también destacaron varias de las críticas publicadas tras su estreno.

Y hay algo que le da a la película una identidad especial: haber sido filmada en Mar del Plata. La ciudad no funciona solamente como escenario. El puerto, las calles, la noche y ese paisaje marplatense de los años 80 construyen el universo en el que se mueve Margarita. El resultado es una reconstrucción de época convincente, que permite entrar en un mundo áspero y peligroso.

La gran sorpresa es Luisana Lopilato. No estamos viendo a la Luisana que conocemos de la televisión y de tantas películas: aparece una mujer más dura, vulnerable, calculadora, impulsiva y con una enorme capacidad para sobrevivir. Su trabajo sostiene la película y demuestra, una vez más, que Lopilato tiene mucho más para ofrecer como actriz de lo que muchas veces se le reconoce.

Lucía Puenzo vuelve a demostrar que sabe trabajar con personajes femeninos complejos. Después de películas como XXY, El niño pez y Wakolda, la directora encuentra en Pepita una figura ideal para regresar a la pantalla grande. Y lo hace sin bajar línea de manera evidente: cuenta, observa y deja espacio para que el espectador juzgue —o no— a su protagonista.

Pero otro de los puntos fuertes es el elenco. Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto, Camila Peralta, Esteban Bigliardi y Gustavo Bassani acompañan a Lopilato con actuaciones sólidas y personajes que enriquecen ese universo. Particularmente interesantes son los vínculos entre las mujeres, las alianzas y las relaciones de poder que se van construyendo alrededor de Margarita.

La película además cambia de registro a medida que avanza. Comienza más contenida e introspectiva, después se transforma en un relato de negociaciones, poder y crimen, y finalmente se acerca decididamente al true crime. Esa mezcla de géneros puede generar algunos desniveles, algo señalado también por otras críticas, pero al mismo tiempo es lo que le permite a Puenzo escapar de la biopic convencional.

Una película para ver en el cine y descubrir a una mujer que tal vez no conocemos a traves de una LUisana diferente. Recomendada

El Teatro Colón se prepara para un estreno mundial que reúne danza, literatura y música argentina. El próximo 10 de septiembre, el Ballet Estable presentará Principio de Éxtasis, una nueva creación inspirada en “El Aleph” de Jorge Luis Borges, con dirección y coreografía del español Goyo Montero.

Durante un desayuno de prensa, Julio Bocca, director artístico del Ballet Estable, destacó el origen de un proyecto que comenzó a gestarse hace varios años y que finalmente reúne a grandes artistas argentinos. La música original fue compuesta por Gustavo Santaolalla, mientras que la puesta cuenta con escenografía de Eduardo Basualdo, vestuario y diseño de Mariana Tirantte, iluminación de Nicolás Fischtel y voz en off de Ricardo Darín.

Montero, reconocido admirador de Borges desde su adolescencia, explicó que la obra no pretende ofrecer una interpretación definitiva de El Aleph, sino acercarse al universo del escritor desde una mirada personal. “Cada uno encuentre su propio Aleph”, señaló el coreógrafo.

La música tendrá un papel fundamental. Santaolalla aseguró sentirse especialmente identificado con el universo borgiano y trabajó sobre conceptos como el infinito, la memoria, los espejos, la repetición y lo circular, incorporando además una mirada particular sobre el tango.

Principio de Éxtasis propone así un encuentro entre uno de los grandes escritores argentinos y una compañía de ballet que busca proyectarse hacia nuevos lenguajes, con una creación especialmente concebida para el escenario del Colón.

Las funciones serán el 10, 11, 15, 16, 17, 18 y 19 de septiembre a las 20 horas, y el 13 y 20 de septiembre a las 17, en la Sala Principal del Teatro Colón.